miércoles, 24 de julio de 2013
domingo, 21 de julio de 2013
sábado, 20 de julio de 2013
Comic:un valor internacional: Vicar
Pocos recuerdan a Vicar, según los titulares nacionales,el dibujante chileno del “Pato Donald. Una vez más salta a la vista el esnobismo de la memoria nacional, as allways. Es verdad que Victor Arriagada Rios, -Vicar su firma de artista-, trabajó para las mejores agencias del mundo. Que en un momento Chile le quedó estrecho por lo que se trasladó a Barcelona donde vivió por casi dos décadas. Es un hecho que estando allí, entre los muchos encargos una editorial danesa le ofreció dibujar al Pato Donald para el mercado escandinavo. Su éxito con el clásico personaje de Disney fue tal que llegó a tener un estudio propio y un equipo trabajando bajo su dirección los que producía hasta 200 páginas por año.
Pero Vicar fue mucho más que eso. Fue uno de los más importantes dibujantes que permitieron una época de oro en la industria de revistas de nuestro país. Junto a Pepo, Themo Lobos, Lugoze, Coke, Fantosio, Guido Vallejos y otros mosqueteros plasmaron una fauna de personajes cuando la vida y la conversación se expresaba sobre todo en revistas.
domingo, 14 de julio de 2013
Nightcrawler. Católico, apostólico y romano.
Kurt Wagner fue un destacado X-Man y ex miembro y líder de Excalibur. Poseía la habilidad mutante de la teletransportación, así como una agilidad increíble y una cola prensil. Nightcrawler era un católico devoto, contrastando su aspecto demoníaco. Un estafador de capa y espada, y el ex acróbata de circo, que murió como un héroe.Actualmente fallecido. Ha sido destacado recientemente como ejemplo por la prensa católica.
Mac Cartthy contra el comic
http://www.youtube.com/watch?v=6BfRcxXRBRo&list=PLeUc97v9XKaHhsKamsnl8dgpRIie2-1kn
http://www.youtube.com/watch?v=45lYFHVSqgE&list=PLeUc97v9XKaHhsKamsnl8dgpRIie2-1kn
http://www.youtube.com/watch?v=45lYFHVSqgE&list=PLeUc97v9XKaHhsKamsnl8dgpRIie2-1kn
Historia
http://www.youtube.com/watch?v=6BfRcxXRBRo&list=PLeUc97v9XKaHhsKamsnl8dgpRIie2-1kn
http://guillermocracia.blogspot.com/2013/01/ciencia-ficcion-paranoica-ellos-nos.html
La Segunda Guerra Mundial llegó y pasó, y vio un realzamiento del invasor extraterrestre en la Ciencia Ficción. John W. Campbell, el más importante editor de la época, exigía que todas las historias de conflicto con extraterrestres terminaran con la resonante victoria humana. Y la Humanidad, en estas historias, enarbolaba los valores del American Dream. Quizás el único que se rebeló fue Isaac Asimov, de una manera peculiar: se negó a escribir (muchos) relatos con extraterrestres en escena.
En la década de 1950, el tópico de la invasión extraterrestre se puso otra vez de moda. Ahora se trataba por supuesto de la paranoia anticomunista. El extraterrestre era la criatura que venía no sólo a invadir y destruir, sino también a asimilar, a destruir la individualidad del ser humano. El ejemplo más prístino de esto es la novela Amos de títeres de Robert Heinlein, en la cual unas babosas espaciales se adhieren a los seres humanos y los poseen transformándolos literalmente en zombis sin voluntad... aunque, horror de horrores, conscientes por completo de la posesión en sí. En el cine, el ejemplo máximo fue La invasión de los ladrones de cuerpos de 1956, en donde los extraterrestres cultivan duplicados humanos en vainas, para que cuando éstos maduran, suplantan a los originales humanos. El final resulta horroroso, si se piensa que el optimismo de la escena final fue un añadido obligado por los productores, quienes pensaron que el final lógico con un pobre ser humano gritando como enajenado en una carretera incapaz de impedir el desastre, era demasiado deprimente.
Y EL EXTRATERRESTRE ESTÁ DESAPARECIENDO.
Dos películas fueron fundamentales para barrer con la paranoia anticomunista en el paso de la década de 1970 a la de 1980. Me refiero aEncuentros cercanos del tercer tipo, y E.T. el Extraterrestre, ambas rodadas por Steven Spielberg. La primera presenta a unos extraterrestres bondadosos y paternales, mientras que en la segunda los extraterrestres son indiferentes, si bien uno de ellos al quedar varado en la Tierra, consigue hacerse amigo de un niño. En la década de 1980, la tensión sociopolítica y el terror ante el apocalipsis nuclear alcanzaron un paroxismo, y la mentalidad de la gente fue fluyendo lentamente hacia la idea de que era mejor alcanzar una componenda, incluso el desarme nuclear, antes que arriesgarse a la destrucción mutua asegurada.
Pero el ocultamiento del extraterrestre como figura literaria responde a un patrón más profundo. En el mundo globalizado que fue fundado a través de la expansión de Internet en la década de 1990, de pronto ya no existen los otros. O mejor dicho, todos somos los otros de todos. Piense usted en su perfil de Facebook, si es que tiene. Sus amigos de Facebook son todos el otro, con sus propios gustos y aficiones, y su propia lista de clicks en los respectivos me gusta; ellos son sus amigos de Facebook, pero se han hecho mucho más patentes las diferencias que las semejanzas. La Ciencia Ficción paranoica en que nos van a invadir y dominar, sólo puede funcionar allí donde hay un relato común e incontestado para hacerle frente al enemigo común: una patria, una religión, etcétera. Desde la década de 1990, los relatos individuales se han ido fragmentando, las tribus se han ido jibarizando y disolviendo, y es poco probable que una persona se identifique de lleno con su país, su partido político o su religión. O al menos, no en un grado como antes. En la actualidad la paranoia máxima no es el invasor externo que va a destruir nuestra sociedad, quizás porque nuestra sociedad cada vez más atomizada y fragmentada ya está en cierto modo destruida, sino la presión omnipresente del grupo que puede llegar a soliviantar nuestra propia identidad, robárnosla, destruirnos como individuo. Es la pesadilla de Matrix en donde la invasión, de las computadoras contra la Humanidad en este caso, ya ha ocurrido, y los humanos ya son esclavos sin siquiera saberlo. O la pesadilla de la nueva versión de Battlestar Galactica, en donde el androide cylon ya no es el enemigo externo, sino que es capaz de mimetizarse con el ser humano e infiltrarse hasta el punto que ni los propios infiltrados cylon a veces saben lo que en verdad son; se consideran humanos. Es poco probable que la paranoia desaparezca de la Ciencia Ficción, pero es claro que por el momento, tomará derroteros muy distintos a la invasión extraterrestre clásica y tradicional de ejército contra ejército, de astroflota contra astroflota, de nosotros contra ellos.
http://guillermocracia.blogspot.com/2013/01/ciencia-ficcion-paranoica-ellos-nos.html
La Segunda Guerra Mundial llegó y pasó, y vio un realzamiento del invasor extraterrestre en la Ciencia Ficción. John W. Campbell, el más importante editor de la época, exigía que todas las historias de conflicto con extraterrestres terminaran con la resonante victoria humana. Y la Humanidad, en estas historias, enarbolaba los valores del American Dream. Quizás el único que se rebeló fue Isaac Asimov, de una manera peculiar: se negó a escribir (muchos) relatos con extraterrestres en escena.
En la década de 1950, el tópico de la invasión extraterrestre se puso otra vez de moda. Ahora se trataba por supuesto de la paranoia anticomunista. El extraterrestre era la criatura que venía no sólo a invadir y destruir, sino también a asimilar, a destruir la individualidad del ser humano. El ejemplo más prístino de esto es la novela Amos de títeres de Robert Heinlein, en la cual unas babosas espaciales se adhieren a los seres humanos y los poseen transformándolos literalmente en zombis sin voluntad... aunque, horror de horrores, conscientes por completo de la posesión en sí. En el cine, el ejemplo máximo fue La invasión de los ladrones de cuerpos de 1956, en donde los extraterrestres cultivan duplicados humanos en vainas, para que cuando éstos maduran, suplantan a los originales humanos. El final resulta horroroso, si se piensa que el optimismo de la escena final fue un añadido obligado por los productores, quienes pensaron que el final lógico con un pobre ser humano gritando como enajenado en una carretera incapaz de impedir el desastre, era demasiado deprimente.
Y EL EXTRATERRESTRE ESTÁ DESAPARECIENDO.
Dos películas fueron fundamentales para barrer con la paranoia anticomunista en el paso de la década de 1970 a la de 1980. Me refiero aEncuentros cercanos del tercer tipo, y E.T. el Extraterrestre, ambas rodadas por Steven Spielberg. La primera presenta a unos extraterrestres bondadosos y paternales, mientras que en la segunda los extraterrestres son indiferentes, si bien uno de ellos al quedar varado en la Tierra, consigue hacerse amigo de un niño. En la década de 1980, la tensión sociopolítica y el terror ante el apocalipsis nuclear alcanzaron un paroxismo, y la mentalidad de la gente fue fluyendo lentamente hacia la idea de que era mejor alcanzar una componenda, incluso el desarme nuclear, antes que arriesgarse a la destrucción mutua asegurada.
Pero el ocultamiento del extraterrestre como figura literaria responde a un patrón más profundo. En el mundo globalizado que fue fundado a través de la expansión de Internet en la década de 1990, de pronto ya no existen los otros. O mejor dicho, todos somos los otros de todos. Piense usted en su perfil de Facebook, si es que tiene. Sus amigos de Facebook son todos el otro, con sus propios gustos y aficiones, y su propia lista de clicks en los respectivos me gusta; ellos son sus amigos de Facebook, pero se han hecho mucho más patentes las diferencias que las semejanzas. La Ciencia Ficción paranoica en que nos van a invadir y dominar, sólo puede funcionar allí donde hay un relato común e incontestado para hacerle frente al enemigo común: una patria, una religión, etcétera. Desde la década de 1990, los relatos individuales se han ido fragmentando, las tribus se han ido jibarizando y disolviendo, y es poco probable que una persona se identifique de lleno con su país, su partido político o su religión. O al menos, no en un grado como antes. En la actualidad la paranoia máxima no es el invasor externo que va a destruir nuestra sociedad, quizás porque nuestra sociedad cada vez más atomizada y fragmentada ya está en cierto modo destruida, sino la presión omnipresente del grupo que puede llegar a soliviantar nuestra propia identidad, robárnosla, destruirnos como individuo. Es la pesadilla de Matrix en donde la invasión, de las computadoras contra la Humanidad en este caso, ya ha ocurrido, y los humanos ya son esclavos sin siquiera saberlo. O la pesadilla de la nueva versión de Battlestar Galactica, en donde el androide cylon ya no es el enemigo externo, sino que es capaz de mimetizarse con el ser humano e infiltrarse hasta el punto que ni los propios infiltrados cylon a veces saben lo que en verdad son; se consideran humanos. Es poco probable que la paranoia desaparezca de la Ciencia Ficción, pero es claro que por el momento, tomará derroteros muy distintos a la invasión extraterrestre clásica y tradicional de ejército contra ejército, de astroflota contra astroflota, de nosotros contra ellos.
sábado, 13 de julio de 2013
ARLEQUÍN: Desde la setie animada al comic book
Harley Quinn (Harleen Frances Quinzel) es un personaje ficticio de DC Comics, eterna enamorada del Joker y enemiga de Batman. Fue creada por Paul Dini y Bruce Timmpara Batman: La Serie Animada, y su popularidad fue tal, que pronto pasaría formar parte regular del Universo DC.
Su nombre, propuesto por el Joker, está basado en Arlequíny es un retoque a su nombre original (Harleen Quinzel). A su vez, Harley suele referirse al Joker como "Pastelito" (en inglés: Puddin') y "Sr. J".
Su primera aparición fue en 1992 en el episodio nº 22 (Joker's Favor) de Batman: La Serie Animada. A partir de allí, su voz fue interpretada durante años por la actriz Arleen Sorkin en las series animadas y posteriormente por Hynden Walch en The Batman. El origen definitivo del personaje fue escrito en el cómic unitario The Batman Adventures: Mad Love de 1994 y su inserción oficial en el Universo DC ocurrió en 1999 durante la saga "Tierra de Nadie", siempre de la mano del guionista Paul Dini.
La relación entre Joker y Harley Quinn es una de las más complicadas de definir: él suele gritarle, golpearla y abandonarla sin aviso cuando es necesario. Pero ella siempre vuelve donde él, ya que cree que realmente la ama y que esas cosas son solo "parte del espectáculo". El Joker ha demostrado ciertas veces tener afecto por ella y se cree que él lidia con la idea de importarle alguien.
En el libro Batman: Animated, Mark Hamill (la voz del Joker en Batman: La Serie Animada) dijo: "Expresar emoción de cualquier forma que es real y entendible es extraño para Joker, pero él está aprendiendo partes de él, a veces inconscientemente, a través de Harley."
Mientras, Arleen Sorkin (la voz de Harley en Batman: La Serie Animada) agrega: "Todos ven al Joker riendo; Harley lo ve llorando."
Una mirada más profunda a los primeros tiempos de su relación es la dada por Paul Dini, Greg Rucka y otros en la saga No Man's Land (1999). En el libro, la reacción inicial de Joker sobre Harley es un nuevo estado mental: una mezcla de fascinación ante la situación de formar parte de una pareja y gran molestia por la distracción que esto le trae a su carrera criminal.
De hecho en el cómic, El Joker hace la siguiente declaración:
Original: "I've noticed some changes coming over me since you came into my life. I've been reminded what it was like to be part of a couple. To care for someone who cares for me. It's the first time in recent memory I've had those feelings... And I hate having those feelings!"
Traducción: "He notado la llegada de algunos cambios desde que llegaste a mi vida. He recordado cómo era sentirse parte de una pareja. Cuidar de alguien que cuida de mí. Es la primera vez en mi memoria reciente que tengo esos sentimientos... ¡Y odio tener esos sentimientos!
Harley debutó en 1992 en el episodio "Joker's Favour" como una simpática cómplice del Joker. Pronto, y debido a su éxito, el personaje pasaría a tomar mayor protagonismo y a mostrar paulatinamente un obsesivo cariño hacia el Joker.
La voz de Harley en tal serie (y en las posteriores series animadas) fue interpretada por la actriz Arleen Sorkin, de hecho Dini ha declarado que se basó en esa actriz para crear al personaje.
En el episodio "Harley and Ivy", el Joker, frustrado con Quinn, la echa de su escondite, así que ella roba el Diamante Arlequín para demostrarle que realmente sirve como criminal. Al mismo tiempo, Hiedra Venenosa robaba las toxinas vegetales del mismo museo. Las dos se vuelven amigas rápidamente y Hiedra Venenosa la lleva a su guarida en un tiradero de desechos tóxicos, donde la inyecta con un suero que le da inmunidad contra todas las toxinas y venenos. Entonces, Harley y Hiedra forman un equipo con numerosos robos exitosos, convirtiéndose en las "Reinas del Crimen" de Gotham City.
Su colaboración conjunta terminó momentáneamente después de que el Joker reconsiderara a Harley como su secuaz. Hiedra se encuentra continuamente frustrada por los sentimientos persistentes que siente Harley por El Joker. De cualquier modo, la amistad sobrevive y Hiedra adopta el rol de hermana mayor y el de la persona que le dice verdades duras a Harley sobre sus caprichos inútiles con El Joker.
El Pozo y el Péndulo de Poe, adaptado por José Ortiz y las tradiciones narraticas del comic
EL TERROR EN CÁMARA SUBJETIVA
Un relato escrito en primera persona, donde el protagonista
comienza el relato agotado en una oscura celda de castigo de la Inquisición,
donde la tortura consiste en la soledad, el abandono, la oscuridad, el frío y
el hambre. Se ve atado y experimenta la angustia de conocer su próxima muerte
pues un péndulo descendía hacia él, seguro de que será muerto por la navaja del
extremo de tal péndulo, se entretiene con la trayectoria del objeto, pero luego
se le ocurre una idea, el hombre tenía a su disposición un poco de comida que
compartía con las ratas, con dificultad logra hacer que los roedores dañen la
cuerda que le tiene atado y le liberen, de inmediato el péndulo se detiene y
razona el hombre en cuestión que está siendo vigilado y que ya se prepara para
él una muerte quizá peor. La habitación cambia de forma y reduce su tamaño, se
ve en la disyuntiva de morir de esa manera o lanzarse al pozo que en medio se
halla, aquél que originalmente iba a ser su "sepultura". Cuando está
a punto de caer en el pozo y sin más espacio para huir, totalmente
desesperanzado, una mano le salva, era la de un francés que había entrado en
Toledo y descubierto las torturas a que eran sometidos los infortunados. El
relato contiene un anacronismo garrafal
al aludir a la Inquisición, que terminó
hacia el 1600 en Toledo, y muchos años antes ya había dejado de utilizar la
pena de muerte; los franceses entraron en Toledo en 1808;
The pit and the pendulum (1975), Rich Margopoulos and José Ortiz.
Creepy Magazine #69
Creepy Magazine #69
El comic de Ortíz, basado en el cuento de Poe
domingo, 7 de julio de 2013
Las noches de la KGBestia
Este comic contiene algunas de las mejores escenas de acción que he leido jamás. En este sentido Jim Starlin y Jim Aparo realizaron un gran trabajo. Sin embargo algunos diálogos y planteamientos del guión son bastante ridículos. Quizás sea esto lo que de a este comic la apariencia perfecta de historia digna de los héroes del cine de acción de los 80.
Lamentablemente esta historia quedó sepultada por otros tebeos de la época que se hicieron más populares, como La Broma Asesina de Alan Moore o el Dark Knight de Frank Miller.
El Batman que aparece en este tebeo no tiene nada que ver con el payaso que era en sus primeras décadas de existencia ni con el ser atormentado y sólo para lectores maduros que se publica hoy en día. Quizás si la peli de Tim Burton no hubiera tenido tanto éxito Batman podría haber seguido este rollito action hero que tan bien le sienta en esta historia…
Para que no se lleven a engaño, digo desde ya que esta es una de mis historias favoritas de Batman de todos los tiempos. Cada vez que la leo, me rindo a ella con ese amor incondicional de quien conoce sus defectos y, así y todo, no puede evitar sucumbir con pasión renovada.
Los ’80 fueron buenos tiempos para la creación de Bob Kane, especialmente la segunda mitad. Antes de la batmanía propiciada por el primer film de Tim Burton dedicado al murciélago, la franquicia había tomado impulso gracias al arrollador trabajo de Frank Miller. The Dark Knight returns (El regreso del Señor de la Noche, en su primera edición hispana) había conseguido lo impensable: redefinir el mito para nuevas generaciones, despachando de un plumazo los 10 años de historias desde Englehart & Rogers y, antes, O’Neil & Adams. Puede parecer una tontería si no caemos en la cuenta de que, durante esos años, nombres como Gene Colan, Michael Golden, Alan Davis o Jim Aparo se encargaban de mantener viva la llama. The Dark Knight returns fue, indiscutiblemente, un hito por sí mismo, pero lo importante, al caso que nos ocupa, fue un efecto colateral poco mencionado. Y es que, de pronto, cada talento al calor del mainstream parecía tener una historia de Batman que contar, desde Alan Moore a John Byrne pasando por Grant Morrison, Howard Chaykin… o Jim Starlin.
Starlin fue uno de esos autores inquietos de la Marvel de los ’70, donde todo parecía estar permitido, incluso liquidar a personajes con su propia cabecera. Starlin brilló en esa jungla de titanes por dos aspectos: el desarrollo de la rama cósmica de ese universo, deglutiendo conceptos de Jack Kirby (véase Warlock) y su facilidad para exterminar desde secundarios a protagonistas, logrando que la muerte (pero la de verdad, ¿eh? No esta de puertas giratorias de la actualidad) planease continuamente por sus argumentos, dándoles una gravedad insólita. Es el segundo de sus puntos fuertes el que se trajo a la serie del cruzado de la capa. Podando toda su grandilocuencia, sus textos se volvieron secos, incisivos, ganando una cierta poética de lo efímero. Únicamente firmó un puñado de historias: todas buenas. ¿La mejor? Un relato en cuatro partes (entre los números 417 a 420 de la serie Batman) que enfrentaba al dúo dinámico contra un superagente ruso implacable y aparentemente invencible en los coletazos de la Guerra Fría.
Las 10 noches de la Bestia arranca con dos tipos desembarcando en una playa de EE.UU. El cuadro de texto nos informa de que es el “día 2” de su misión. ¿Qué misión? En Gotham City, un alto espía ruso informa a una delegación de seguridad (y al lector) de todos los detalles: el agente Anatoli Knyazev, apodado La Bestia, ha recibido de parte de su superior (un renegado que se suicida antes de comparecer ante el Kremlin) la orden de sabotear el programa defensivo norteamericano conocido como Guerra de las Galaxias. Para ello, no dudará en eliminar a las 10 personas clave del proyecto… incluido el presidente de los EE.UU., Ronald Reagan. Por supuesto, este agente es una auténtica máquina de matar, adiestrado en cualquier disciplina de asesinato y con fuerza incrementada cibernéticamente. Nadie sabe su identidad real o aspecto físico. Batman y Robin (Jason Todd), con la ayuda del Comisario Gordon y agentes de la CIA y del FBI, deberán hacer lo necesario para evitar que la Bestia culmine su sanguinario propósito.
El hombre de acero
http://www.blogdecine.com/estrenos/el-hombre-de-acero-la-pelicula
Clark Kent / Kal-El (Henry Cavill) es un joven periodista de veintitantos años que se siente diferente debido a unos poderes más allá de su imaginación. Transportado hace años a la Tierra desde Krypton, un planeta distante y muy avanzado tecnológicamente, Clark se enfrenta a la pregunta definitiva “¿Por qué estoy aquí?“. Formado por los valores de sus padres adoptivos, Martha (Lane) y Jonathan Kent (Costner), Clark descubre que tener habilidades extraordinarias significa tomar decisiones difíciles. Cuando el mundo tiene una necesidad extrema de estabilidad, una amenaza mayor emerge. Clark debe convertirse en un Hombre de Acero, para proteger a la gente que quiere y brillar como un rayo de esperanza para el mundo, Superman.
Clark Kent / Kal-El (Henry Cavill) es un joven periodista de veintitantos años que se siente diferente debido a unos poderes más allá de su imaginación. Transportado hace años a la Tierra desde Krypton, un planeta distante y muy avanzado tecnológicamente, Clark se enfrenta a la pregunta definitiva “¿Por qué estoy aquí?“. Formado por los valores de sus padres adoptivos, Martha (Lane) y Jonathan Kent (Costner), Clark descubre que tener habilidades extraordinarias significa tomar decisiones difíciles. Cuando el mundo tiene una necesidad extrema de estabilidad, una amenaza mayor emerge. Clark debe convertirse en un Hombre de Acero, para proteger a la gente que quiere y brillar como un rayo de esperanza para el mundo, Superman.
sábado, 6 de julio de 2013
El Terror de Chile a México. De Zig Zag a Novaro
La primera versión de este artículo puede encontrarse
http://sociologo-archivero.blogspot.com/2009/09/acerca-de-los-heroes-que-formaron-el.html
Del monje Loco a l Siniestro DoctorMortis
En diciembre de 1967 en México, como consecuencia de un radio teatro, comienza a aparecer la serie que se haría clásica, editada por Editorial Temporae, sostenida por Editorial Novaro.3 Contaba con la colaboración de Salvador Carrasco Lemus como guionista y con dibujantes como Rubén Lara Romero y Carlos Moro, además de Juan Rangel, Patricia Moro, Alfonso Trigo, José Santos Reyna, Luis Carlos Hernández, Jorge Lara Romero, Fermín Márquez, Agustín Munive y Agustín Martínez, entre otros, pertenecientes a "Estudios Rubens". La serie constó de 169 números, que aparecieron entre diciembre de 1967 y febrero de 1971.
Posteriormente, a partir de mayo de 1972, el Grupo Editor de México emprendió nuevamente la empresa, publicando unos pocos números con argumentos de Salvador Carrasco Lemus y dibujos de José Lara Romero, Jorge Lara, Luis Carlos Hernández y letras de Rolando M. Estévez.
En Chile, un poco antes y basado en el programa de radio del Doctor Mortis (desde 1945 a 1982), la editora Zig Zag comienza a publicar el comic "El Siniestro Doctor Mortis" que finalizaría con el número 105 en 1971. Este conjunto de revistas ha sido llamadas como las de la Primera Etapa.
En 1972 la Editorial Pinsel publica 58 revistas (Segunda Etapa), el nombre es ahora simplemente "Dr Mortis" y por alguna razón los números vuelven a numerarse a partir del 001 nuevamente.
En 1975 la Editorial Dilapsa ó Gabriela Mistral publica los "Macabros Relatos del Siniestro Mortis" en la revista que es llamada nuevamente "El Siniestro Dr Mortis" por un breve periodo, publicándose las revistas 059 a 081.
Como un regalo, les ofrezco un episodio del Doctor Mortis de Juan Marino, guionado por su esposa Eva Martinic, como todos los episodios de Mortis. Se trata del episodio titulado “Ling Fu”.
Este radiocuento, como los llamaba el propio Marino, tiene también su versión en historieta en el Nº 71 de El Siniestro Dr. Mortis bajo el título de “Dr. Mortis y el Tazón Chino”, el que a su vez es una adaptación del cuento: “El Cuenco de Cobre” de George Fieldin Eliot, que también fue editada en México en la revista “El Monje Loco”. Disfruten la primera parte de esta notable historia de venganza china.
http://www.mortis.cl/clasicos-del-dr-mortis/radioteatro/radioteatro-ling-fu-parte-1/comment-page-1/
Si el seno de la tierra no podía retener al rey del mal, si las armas de plata no podían acabar con su horrenda existencia, si el siniestro Doctor Mortis era indestructible, ¿Cómo, pues, podía librarse el mundo de tan nefasta presencia?
“Réquiem para el Doctor Mortis”
“Réquiem para el Doctor Mortis”
viernes, 5 de julio de 2013
Nuestro propio Rey de la Selva.
http://www.mediafire.com/download/umxkjunmqwg/Intocable+117.cbr
EN 1966, La Editorial Zig Zag, para competir con Novaro de México que traía Tarzán y con Lord Cochrane, de El Mercurio que editaba a "Jim de la Selva", decidió crear sus propios héroes de la selva, y así fue como el guionista José Zamorano y los dibujantes Samuel Gana y Mario Igor, le dieron vida a Mizomba, el Intocable, un británico que cuando era bebé naufragó con sus padres en las costas del África Ecuatorial y fue criado por la tribu de los Walkis, quienes lo creían el enviado de Klitán, Señor de la Montaña de Fuego.
A pesar de vivir sus aventuras en tierras africanas, siempre sentimos a Mizomba como un héroe cercano, y casi todos nos sabíamos los nombres de los animales que lo ayudaban, como el león Numba, el gorila Volgan, la chimpancé Chilka, la serpiente Iska y el leopardo Likan, nombres nada originales por cierto.
La imaginación de sus autores llegó a límites delirantes, como la explicación del origen de su nombre, una degeneración de las últimas palabras de su madre inglesa, pidiéndole al guerrero Mukala que cuidara a su bebé, a “my son baby”, Mizomba, palabras homófonas que sirvieron para bautizar al heroe.
Las aventuras de Mizomba en el África Ecuatorial transcurrían durante la década del cuarenta. La idea para dar vida al protagonista es una clara alteración de la leyenda de Tarzán. El joven Mizomba – hijo de Sir Richard Manley – sobrevive al naufragio de la nave Argos y es adoptado por Mukala, hechicero de la tribu Walki. La leyenda creada en torno a Mizomba “el Intocable” – el gigante rubio enviado de Klitán, señor de la montaña de fuego – es utilizada por su padre adoptivo para gobernar la tribu.
A lo largo de los números de la revista, el origen del Intocable será contado una y otra vez añadiendo nuevos datos que alimentan la leyenda en torno al señor de la selva. Al llegar al número 104, ques cuando Mizomba y yo nos hicimos amigos (1971), la revista comienza a ser editada por Quimantú – Mizomba está más civilizado, dirigeendo guerrillas contra los tiranos belgas de África, ya no viste el traje de leopardo sino camisa, pantalones y botas. Los dibujantes del personaje fueron Mario Igor, Hildegardo Igor, Abel Romero, Samuel Gana y José Orellana con guiones de José Zamorano. Además de los comics de Mizomba la revista incluía fichas sobre África, su fauna, geografía y gente
Así pude entender (por intermediación de mi padre) quién había sido Lumumba y con las revistas de Quimantú más otros relatos empezó mi fascinación por África.
Después de 1973, Mizomba volvió a sus orígenes colonialistas y su amada Karola (una nativa de Kenia) fue reemplazada por una bella europea.
Los dibujantes, eso sí, eran los mismos.
http://www.mediafire.com/download/umxkjunmqwg/Intocable+117.cbr
jueves, 4 de julio de 2013
miércoles, 3 de julio de 2013
Un héroe que muta
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Parte de la restauración incluía que Oliver Queen abandonara su apariencia superheroica con sus flechas trucadas y que su compañera Dinah Lance/Canario Negro perdiera su grito sónico.
El COMO perdió su grito fue debido a un suceso en la mini serie, cuando ella es capturada y torturada. En ninguna parte de la historia esta implicada que ella fue violada. En verdad que no es difícil el porque aparece la idea en la mente de los lectores masculinos y femeninos de que Canario Negro fue violada. En la escena cuestionada, ella no solamente había sido golpeada y maltratada, estaba atada y no llevaba puesto ningún traje, salvo una camisa destrozada.
Esto no significa que haya sido violada, pero no era difícil ver como la secuencia podría implicar lo opuesto para muchos. Canario ni siquiera es el punto focal de su propia tortura, ella es la damisela en peligro y el objeto de la desesperación del héroe. Dinah fue torturada por información, al estar investigando el caso antes que Flecha y los chicos malos averiguan sobre eso. Aquí lo que se debatió por años fue a menos que uno presuma, que sí una mujer es torturada, este implicado que parte de una tortura incluya violación.
Pero ese gran salto no lo hizo el escritor/dibujante Grell, quien siempre responde que NO hubo violación (En el argumento, sobre la gravedad de sus heridas, el doctor que la trató dijo que “ella perdió mucha sangre, pero excepto por unas rajaduras en sus costillas y una conmoción cerebral, la mayoría es superficial”) y que para cerrar todo comentario detractor, él mostró en la colección regular de FLECHA VERDE, una sesión de terapia donde Dinah habla con una especialista (violada de niña a su vez) y dice “la gente me dice cosas como ‘al menos tu no fuiste violada’…como si eso es la peor cosa que podría suceder.”
La escena es clave para la próxima Saga, donde Oliver busca al violador de niñas, para matarlo. O más bien para ahogarlo en su antigua mansión.
Un problema de la serie con autoría de Mike Grell es su intento por interpretar el mundo verdadero cuando tiene que enfrentar restricciones en su obra. En este punto de la saga, la intención de Grell fue “simplemente escribir historias basadas en un mundo donde las personas hace cosas horribles a otras y las mujeres son frecuentemente las victimas de la violencia. Ha dicho que : ”Si Flecha Verde no hubiese arribado, las cosas podrían haber sido diferentes, pero ese es exactamente el punto. Yo necesitaba ese momento para presionarlo hasta el borde y forzarlo en escoger, disparar su flecha a la mano con el cuchillo o directo al corazón del villano. Yo quería mostrar que bajo las circunstancias correctas, cualquiera puede matar por proteger. Ollie escogió matar al hijo de p•••, porque de verdad, ese se lo merecía. Y porque eso fue un punto critico dramático en su vida. Una vez disparada la saeta, su vida seria diferente después de ese momento. Gold y yo hicimos una elección especifica para tratar con historias sacadas de los encabezados y tratar con los temas frontalmente en vez de hablar metafóricamente y esperando que el publico capte el mensaje.
Nosotros hicimos todo lo posible para encender el debate, no porque tuviésemos las respuestas, sino porque creíamos y aun lo creemos, que era importante hacer las preguntas. ... Yo hice lo que cualquier escritor decente de melodramas haría –yo comencé con una pareja perfectamente feliz y entonces suntuosamente les retorcí sus vidas. Todo el asunto de que Dinah perdiese su poder vino mucho después por otro escritor, porque mi tarea en toda la colección fue colocar a la pareja firmemente en el mundo real, donde los súper poderes no existen.
Su ropa estaba rasgada porque no puede estar desnuda en una revista de historietas (a pesar de no llevar el sello del código de historietas y tener la advertencia “para lectores maduros” el hecho que Flecha Verde y Canario Negro eran dos súper héroes decididamente típicos hasta el punto de ser miembros de la Liga de la Justicia, eso significaba que DC pondría algunos limites en lo que el escritor y el editor pudieran hacer con ellos. Aunque se mostraron escenas de dormitorio muy subidas de tono para la época –escenas ahora ya comunes en cualquier comic de este tiempo.) Si los ejecutivos en DC fallaron en dejar pasar las implicaciones de la probable violación y aprobaron la saga, cuando los fanáticos empezaron a increparles la situación, ellos deben haberse dado cuenta de su descuido y hacer que Grell y Gold nieguen el supuesto acto en la serie regular. Dados los hechos, eso podría haber sucedido.
Grell puso a la vista toda indicación posible en la mini-serie que Dinah fue violada. Él incluyó todas las vistas que podrían sugerir ese mal sano acto y no incluyó nada que lo negara. Los lectores llegaron a la conclusión que ella sufrió la peor cosa que podría sufrir una mujer en sus mentes. Todo a causa de la jugada (o culpa) de Grell y DC por no ser claros. Fue definitivamente implicado y por lo tanto muchas personas lo dedujeron. Un comentario a un terapeuta que indica que hay cosas peores que una violación NO es una aclaración de alguna clase. Su imprecisión solamente genera mucha especulación, como que le ha sucedido algo más al personaje.
Un tipo con historias “adultas”, historias negras, heroe de barrio.Green Arrow es complejo y sencillo a la vez. Es humano, en toda la extensión del término. Es profundamente imperfecto, es mujeriego aunque solo haya una mujer realmente para el (canario negro), es (o lo era) bebedor, un gilipollas que un día por azares del destino acaba vistiendo de verde y vigilando las calles de su ciudad. Pero aun en su fase de héroe es todo menos modélico según el estándar clásico. No tiene poder de ninguna clase aparte de solvencia económica, es de vez en cuando miembro de la liga de la justicia, pero al igual que Batman, nunca se ha sentido cómodo entre tanto bienhechor y tanto estirado. No es extraño que en el Regreso del Caballero Oscuro, sean el propio Green Arrow manco y viejo y el propio Batman juntos son los que parten la cara y le dan un baño de realidad al soso de Superman.
Es imprescindible - si se le quiere entender o algo así , leer “El cazador acecha”. Este comic de los 80 es un punto de inflexión parece ser en lo que es el oscurecimiento del personaje. El cambio de mentalidad y de valores morales, el cambio del “No es necesario matar” al mas real de “haré lo que sea por mi familia o por una buena venganza”. Es una historia real y negra, y por real me refiero a que el mal es real, nada de payasadas. Malos auténticos, CIA, contra nicaragüense, asesinos de homosexuales, Irán gate, blanqueo de dinero de la cocaína para operaciones secretas, etc… el puro mal de los 80. La administración norteamericana en todo su esplendor. La misma a la que un boyscout vestido de azuly los canzoncillos sobre los pantalones rinde homenajes.
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La difícil vida de una pareja
LA DIFICIL VIDA DE LOS HÉROES DEL COMIC. (O DE ALGUNOS EN PARTICULAR) Dinah Lance nació en el seno de una familia dedicada a la lucha contra el crimen. Su padre Larry Lance era un oficial de policía, y su madre la heroína original que había llevado el nombre código de Canario Negro. A la edad de diecinueve años, Dinah decidió convertirse en una luchadora contra el crimen, adoptando el uniforme y la identidad de su madre, Canario Negro. Debido a una maldición que había recibido en su niñez por parte del Mago, Dinah desarrolló el “grito del canario”.
Poco después de su debut, Dinah se convirtió en miembro fundador de la Liga de la Justicia de América. Fue Dinah quien propuso el nombre del equipo inspirándose en el de su madre que había sido parte de la Sociedad de la Justicia de América. También fue durante ese periodo de tiempo cuando conoció a Oliver Queen, Flecha Verde. Canario Negro trabajó con la Liga de la Justicia durante muchos años, y su amistad con Oliver no tardó en convertirse en un romance. Cuando Oliver abandonó la Liga de la Justicia para mudarse a Star City, Dinah no tardó en seguir sus pasos. Tras un periodo de tiempo trabajando sola, y colaborando esporádicamente con la Liga, se instaló en Seatle junto a Oliver.
Oliver y Dinah montaron una tienda, la “Floristería Sherwood”, y combinaron dicho negocio con su lucha contra el crimen. Sin embargo, Oliver no tardó en experimentar una crisis cuando estuvo a punto de cumplir los 43. Deseaba casarse con Dinah y tener una familia real con hijos propios. Dinah rechazó la idea alegando que ambos vivían vidas demasiado peligrosas. Durante ese periodo, Dinah fue secuestrada por un traficante de drogas que estaba investigando. Fue torturada brutalmente, lo que provocó que perdiera su “grito de canario” y su capacidad para tener hijos. Oliver asesinó al hombre que la torturo, pero el evento le dejó seriamente marcado.
Cuando Dinah salió del hospital aún estaba traumatizada a nivel emocional, y Oliver estuvo a su lado durante sus terapias de rehabilitación. Durante ese tiempo, Dinah permaneció inactiva, y no fue hasta que decidió detener a unos ladrones, que logró sentirse de nuevo completa. Esto se debió a que se dio cuenta de que su problema había sido el sentir miedo a no poder pelear de nuevo. Tras esto, su relación con Oliver fue más cercana que nunca. Sin embargo, pasado un tiempo, la relación se deterioró, y Dinah decidió romper con él, al pensar que Oliver no sería capaz de comprometerse por completo a ella. Dinah recibió un gran shock al descubrir por Connor Hawke, que Oliver había fallecido peleando contra terroristas ecológicos.
Barbara Gordon, antigua Batgirl,conocida como Oráculo, contactó a Dinah para que trabajara junto a ella en Gotham, y ambas fundaron los Pájaros de Presa. Tras una batalla contra Ra’s al Ghul, se sumergió en el Pozo de Lázaro siguiendo el consejo de Oráculo. Esto curó sus heridas, y restauró su “grito de canario”. Dinah se convirtió en la médula del mismo colaborando con heroínas como Cazadora, Gitana o Lady Halcón Oscura. Poco tiempo después, Dinah abandonó las filas de la Sociedad de la Justicia al descubrir que Oliver había vuelto a la vida
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